Estimadas, estimados:

Los invitamos este viernes 30 a una nueva sesión de Antología en Movimiento, en ella conversaremos acerca de la edición, la autogestión y la independecia en las editoriales actuales, para esto Alejandra Fritz (Editorial Ripio), Nicolás Cornejo (Editorial La Calabaza del Diablo) y Carlos Labbé (Sangría Editora) compartirán sus puntos de vista y sus experiencias en este oficio, además de abordar la relación que él guarda con su trabajo escritural.

Los esperamos en La Chascona, ubicada en Fernando Márquez de la Plata 192, comuna de Providencia, a las 19 horas, para participar de esta conversación y el vino de honor que la despide. La entrada es liberada.

El evento se realizará a las 18:50 hrs. en la sala de conferencias, ubicada en Matucana 151, Santiago (Metro Quinta Normal).

Estamos a la espera de la aparición de nuestro nuevo número en las calles, por mientras, entérate qué contenidos trae en esta edición.

ÍNDICE CONTRAFUERTE 4

Reducciones. Poemas inéditos de Jaime Huenún.

La tragicomedia de la identidad y la diferencia. A propósito de cuatro poemas de Jaime Luis Huenún – por Vicente Bernaschina.

Un aeropuerto en los Andes. Problemas escriturales de Andrés Ajens – por Juan Manuel Silva.

Umbral es de un indigeriblemente. Poemas de And r´s Ajens.

Ni idea de traducción – por Andr´s Ajens.

La lejanía y proximidad del Sol. Sobre Solsticios de David Villagrán -por José Miguel Salinas.

Solsticios. Poemas de David Villagrán.

Hacer memoria, traducir. Acerca de tres poemarios recientes – por Simón Villalobos.

Versiones libres. Entrevistas a seis traductores chilenos.

Leyendo a un traductor. Sobre Francis de Miomandre y Carlos Droguett – por Roberto Contreras.

Inéditos de Carlos Droguett. Fragmentos de “Francis de Miomandre, o el Redescubrimiento de América”.

Navaja

Territorio y políticas del texto - por Marcelo Mellado.

Norteamericanización y literatura chilena. Influencias y traducciones – por Pablo Torche.

El despertar de la modorra. Sobre la narrativa de Jaime Collyer y Mauricio Electorat – por José Ignacio Silva.

Estamos todos muertos. Introducción a Zombie de Mike Wilson – por Antonio Díaz Oliva.

Zombie. Fragmentos de la nueva novela de Mike Wilson.

Tarjeta de embarque:

La soldadura de un caño. Presentación de Fabián Casas – por Guido Arroyo.

Cinco, seis, tal vez siete años. Cuento de Fabián Casas.

Vida intravenosa. Poemas de Tom Bresemann traducidos por Alejandra del Río.

Seguir iracundo después de los 30. La poesía de Tom Bresemann en su contexto – por Alejandra del Río.

Ésta será la portada de nuestro nuevo número, el cual ya podrán ver en circulación durante las próximas semanas. La portada estuvo a cargo de Navaja, a quienes te presentamos, tras el salto.

NAVAJA es el estudio de diseño gráfico de Nicolás Sagredo, Joaquín Contreras y Pablo Jara Zenteno, dedicado principalmente al diseño editorial y de sitios web, aunque también a la ilustración y el desarrollo de fuentes tipográficas. Su trabajo se desarrolla principalmente en el área cultural, buscando establecer lazos de cooperación con grupos o personas que permitan proyectar formas de acercamiento entre seres humanos de manera justa, igualitaria, equilibrada en el plano social, sexual, étnico, ecológico y humanitario. Todo esto basado en una fundamental complementariedad entre estética y ética.

http://www.navaja.org/

“Y aquí me tienen de nuevo en vuestras calles / radiantes de perdición y mala noche / rodando y rodando como siempre / con el acelerador a fondo y la vista fija / en el espejo retrovisor”. Menos violento pero muchísimo más triste que la cinta de Martin Scorsese que lo inspira es el libro Taxi Driver, de Egor Mardones (Tomé, 1957), un poemario cargado de referencias a la cultura pop cuya oscuridad es cómplice de otra película desesperada, Blade Runner, de Ridley Scott. Ni la luz ni el tiempo pasan por las páginas de este texto y esto último es lo verdaderamente desolador. El desamparo es total. Ni la mención a los hackers ni la de los ciberpunks nos engañan: hace más de dos décadas que este tiempo fantasmal viene repitiéndose a sí mismo tras el parabrisas.

Más allá  de la angustia provocada, sin embargo, el director acierta al remover los pliegues de esta historia estancada, convirtiendo su lumpérico y obsoleto margen urbano, social e histórico en un foco de resistencia y espectacular resplandor. Existen en esta cinta escenas muy logradas, como aquella en que el taxista afirma que “sólo yo sigo llevando en mi taxi a Partealguna / a pasajeros que en su perra vida han salido de Nada / que jamás se han movido o moverán ya para siempre de aquí”. Y el tratamiento técnico nos instala con eficacia en este viaje sindestino, al cruzar idiomas, culturas y lenguajes como sólo puede ocurrir en Sitioalguno, que en la posmodernidad es un (no) lugar sospechosamente parecido a cualquier parte.

Activo en literatura desde inicios de los 1980, el autor de este remake libresco es reconocido como “escritor fantasma” en su región del Bío Bío: Taxi Driver es el primer poemario que decide publicar. Largos años se demoró en proyectarnos este film íntimo y retro, tal vez esperando que las luces de la sala se apagaran del todo para que emergiera el espectro de quienes “todavía sueñan con despertarse amanecidos / a la más bella y radiante orilla deste mundo”. La interpelación parece venir de tan lejos que su acontecer editorial nos estremece. Más que otro poemario, Taxi Driver, de Egor Mardones, es toda una performance poética.

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Egor Mardones (Tomé, Chile, 1957): ha publicado sus poemas en las antologías Las plumas del colibrí. Quince años de poesía en Concepción (Improde-Cesos, 1989), Geografía poética de Chile: Concepción (Antártica / Banco del Estado, 1998), entre otras. Imparte talleres literarios y realiza diversos proyectos y actividades culturales en Tomé. Taxi Driver (Al aire libro, 2009) es su primera publicación personal

Esto puede que se parezca menos a una reseña que a un panegírico. Me cuesta, luego de leer este libro de Ricardo Herrera Alarcón (Temuco, 1969), cambiar este tono por el de una reposada y más o menos objetiva mirada sobre éste que es su segundo título. Con anterioridad, Ricardo Herrera había publicado Delirium tremens (2001), donde algunos de los rasgos principales del libro que ahora reseñamos ya estaban esbozados. A saber: fundamentalmente, esa indecisión saludable entre el mundo lárico y una aproximación si se quiere (in)mediata al mundo, por una parte, y la sospecha sobre los poderes de la palabra y sus posibilidades de representación, por la otra, en un homenaje evidente y merecido a Enrique Lihn.

Más allá del consumado arte de escribir un poema sobre la base de imágenes que son capaces de hacer que los contrarios se fundan y confundan (valga el juego de palabras para evocar lo escrito por Octavio Paz, pero también para ponerlo entre paréntesis), este libro de Ricardo Herrera pone de manifiesto cierto dilema que recorre a (casi) toda la poesía chilena de hoy. La aldea que se desmorona y la incapacidad de la poesía para representarla es una disyuntiva que tiende sus redes hasta límites insospechados hasta ahora. Esa aldea no se circunscribe únicamente a la poesía lárica y aquellos que se proclaman sus seguidores. Así como la sospecha que recae sobre las posibilidad de la palabra poética es un tema que permea a muchos autores, más allá del estrecho círculo de aquellos  (auto)proclamados como los herederos de Lihn. Entre uno y otro polo de esta aparente contradicción se juega el presente de una parte importante de la poesía chilena.

Ricardo Herrera Alarcón  (Temuco, Chile, 1969) ha publicado Delirium Tremens (Casa de Barro, 2001), compilador de Bar: Antología Poética Chilena (2005), en coautoría con Cristian Cruz. El 2007 publica Sendas perdidas y encontradas (Kultrún, 2007).

Si dentro de la poesía chilena hay un libro en estos últimos tiempos que lleva a cabo los puntos seguidos del neobarroco o más explícitamente del barroso, es Grasa de Rodrigo Gómez. En estas páginas, no numeradas –algo que dificulta la ubicación de algunos poemas- encontramos lo que Calabrese definió en su libro La era neobarroca como características del neobarroco: ritmo y repetición. Gómez entabla un diálogo con las notas musicales del lenguaje, con un cadencia híbrida y desbordante, donde la sonoridad de las palabras es al ojo, lo que la voz es al oído, apelando quizá a un excesivo uso de gerundios o al abuso de la aliteración, como también de adjetivos que no contradicen su finalidad escritural ni su mensaje, algo que es para Sarduy “un divertimento fonético que es su propio fin”; límite y exceso: el texto no apela al sincretismo, es más, quiere desbordar las páginas, detalle y fragmento: pareciera que nos situamos a ratos en una sinopsis televisiva, en donde el recuerdo es un corte, no de la escena en su totalidad, sino del detalle de la escena en un párrafo. Sabemos que vivimos en una cultura fragmentada, carente de una identidad definida, por lo mismo y, apelando al “bajo mundo” del neobarroso de Perlongher, los personajes de Grasa se sitúan en un club vietnamita, en el Cerro Polanco, o en una caminata lumpérica, en donde: la brigi, el adri, dos aguas y gómez –el clan-, entablan diálogos, generan acciones, fuman “recios tallos melenudos”, beben, patean, incluso uno de ellos piensa que el autor es su padre en alguna borrachera, desordenando la línea lógica del tiempo, careciendo a ratos de la memoria. El comienzo es el pasado, podría decir, o el pasado es el futuro. Es ahí donde Gómez, apelando a sus lecturas, reescribe una parte de Mantra de Rodrigo Fresán, en donde el personaje, que tiene un Sea Monkey, un tumor que lo recorre, quiere tener cámaras en los ojos, para vivir en tiempo presente y no depender de la memoria, siendo él mismo su propio personaje. Por lo mismo y contradiciendo las palabras de Echavarren escritas en la contratapa del libro, Grasa no carece de temas como afirma, más bien los temas se esconden en los personajes y sus acciones, lectura que se va dando en la medida que el lector sepa separarse de su realidad, para así leer en estas páginas la soledad.

Rodrigo Gómez (Santiago de Chile, 1975): Ha publicado, recientemente, Grasa (autoedición, 2009). Es editor general de la editorial Mantra y fue organizador del Encuentro de Poesía Poquita Fe.

Titulado Raso, nombre que indica al soldado de menor rango y al que, por lo general, acceden (o se ven obligados) los jóvenes de los sectores bajos que cumplen su instrucción militar, el libro propone a través de poemas breves y casi epigramáticos –donde se intercalan 4 ilustraciones alusivas al tema, hechas por Melba San Martín- la voz y el itinerario de un sujeto acorralado dentro del paisaje humano, geográfico y material del regimiento nortino al que es asignado y del que sólo logra escapar herido o inhabilitado en el grupo que las estadísticas castrenses y el libro señalan como el “cinco por ciento”, cifra correspondiente a los conscriptos dados de baja antes de finalizar su instrucción.

La voz de los poemas insinúa cierta conciencia crítica frente a su contingencia, resuelta en la figura del marginal soldado raso, que de vez en cuando esboza el recurso de la ironía para contrarrestar su situación de abuso. Gran parte de los poemas se pierden en la narración de las prácticas físicas, en las destrezas con el arma, en los insultos y mandatos que mayores y oficiales profieren a la tropa, lo que junto al tono neutro del raso y la economía de recursos lingüísticos y estéticos, terminan por acentuar la condición de vulnerabilidad y censura de la que es objeto el hablante de los poemas, alegoría de los atroces años de la dictadura militar.

Interesantes resultan entonces, a la sombra de estas observaciones, los últimos poemas del libro, en donde la voz ya liberada del ejercicio militar, por pertenecer ahora al “cinco por ciento”, descansa en su nueva condición de exiliado de la institución y proyecta su crítica, no sólo contra el entorno inmediato y la situación específica de su experiencia en el regimiento, sino también contra los símbolos y el relato heroico que ha promovido la milicia para enrostrarnos su pobre ficción de patria e identidad nacional.

Carlos Cardani Parra (Santiago de Chile, 1985): ha sido incluido en la antología del taller de poesía Santa Rosa 57 (Alquimia Ediciones, 2007) y en La Gran Capital (La calabaza del diablo, 2006). Ha participado en encuentros poéticos como Poquita Fe 2004 y Descentralización Poética, entre otros. El 2009 publica Raso, por Balmaceda Arte Joven Ediciones.

Por segundo año consecutivo se realizará el ciclo Antología en Movimiento, que pretende continuar con su labor de difusión y ampliación de los espacios de diálogo en el circuito cultural chileno. En esta ocasión, a raíz de pensar el bicentenario, el ciclo se ampliará a mesas de conversaciones que se realizarán dos veces al mes. Los días viernes, desde abril a diciembre, se reunirá un grupo de escritores para tratar diversos temas relacionados con sus obras y compartir sus puntos de vista acerca del ejercicio y proyección de sus propuestas artísticas.

Tres invitados relacionados con el arte y la cultura, un tema y tres bajadas de éste que serán discutidas durante tres bloques, junto a lecturas y presentaciones del trabajo de cada uno. Además, se generará un espacio para el diálogo entre el público y los artistas. Estas actividades se realizarán en la Casa Museo La Chascona de la Fundación Pablo Neruda, ubicada en Fernando Márquez de la Plata 0192, Providencia, a partir de las 19.00 horas. La entrada es gratuita.

El objetivo principal de este proyecto es promover un acercamiento a la creación artística, enfocado desde temas generales y que, por tanto, involucran o apelan a un público más amplio. Analizar qué dice una novela, poemario u obra de teatro acerca de nuestra realidad y cómo y por qué, se despliega esa visión. Además, demostrar que la conversación sobre materias artísticas debe y puede ser practicado fuera de las universidades y círculos cerrados de intelectuales.

También se incluirá a músicos y cantautores (a principio de mes) quienes presentarán sus composiciones en versiones acústicas. Gepe, Javier Barría, Carolina Espinoza, Pedro Piedra, Gordi, entre otros, son algunos de los invitados para este 2010.

Este proyecto ha sido ideado, organizado y ejecutado por Juan Manuel Silva y Simón Villalobos, con la participación de Víctor Quezada. Cuenta con el apoyo de una serie de editoriales, revistas chilenas (Editorial Cuarto Propio, Lanzallamas Libros, Editorial Fuga, Editorial Das Kapital, Revista Grifo, Marea Baja Editores, Revista Contrafuerte, Editorial Ripio, Revista Virtual La Calle Passy 061, Editorial La Calabza del Diablo, Editorial Alquimia) y con el patrocinio de la Fundación Pablo Neruda.

Existe un registro audiovisual de cada sesión, que incluye las presentaciones musicales en el sitio web http://antologiaenmovimiento.blogspot.com, que pretende crear un soporte audiovisual de la actualidad literaria de Santiago de Chile.

Organizan: Juan Manuel Silva y Simón Villalobos

Registro Audiovisual y webmaster: Víctor Quezada

Patrocina: Fundación Pablo Neruda

Sitio web: http://antologiaenmovimiento.blogspot.com

Contacto: Simon Villalobos Parada

Email: simon.villalobos@gmail.com

Celular: 09-848 93 67

7779598

PROGRAMACIÓN ABRIL Y MAYO:

- Viernes 16 de Abril: Los problemas del diálogo en la cultura / Estrategias y dinámicas de producción y difusión cultural.

a)      David Bustos

b)      Patricia Espinosa

c)      Luis López Aliaga

- Viernes 30 de Abril: Editores y editoriales (Día internacional del libro) / Situación del libro independiente en Chile.

a)      Alejandra Fritz

b)      Carlos Labbé

c)      Nicolás Cornejo

- Viernes 14 de Mayo: Relatos de lo social / ¿por qué representar la realidad?

a)      Javier Riveros (ABC1)

b)      Álvaro Bisama

c)      Marcela Saldaño

- Viernes 28 de Mayo: Arte y biografismo / Vínculos y distancias entre arte y vida.

a)      Flavia Radrigán

b)      Diego Ramírez

c)      José Leandro Urbina

El problema. La historia que acaba de pasar es siempre la menos apreciada. Las nuevas generaciones se desenvuelven en pugna contra ella y tienden, por economía mental, a compendiarla en un solo emblema para de una vez liquidarla.

Alfonso Reyes, “Pasado Inmediato”

Ese niño que es el tiempo, dicen, no pasa en vano. Todo río ha de llegar en su imagen de cambio y permanencia a dormir en el océano. Así, aunque los cuestionamientos sobre el tiempo sean mirados siempre como una manera de “escapar” a los problemas que plantea cada época, de vez en cuando es necesario medir o cuantificar su paso objetivo, los años, los decenios y lustros que nos separan de ciertos contextos y situaciones históricas.

En el caso de las periodizaciones, es decir, la consideración de que ciertos grupos de autores, autores, estilos, estéticas y discursos pueden ser ordenados en relación a una época -digamos, en nuestro caso, el fatigoso problema de las generaciones-, la inclinación a distinguir generaciones en lugares que no las hay y mediante ordenamientos temporales arbitrarios ha conducido a muchos equívocos. Uno de ellos (el que comentaré aquí) es el prejuicio o sesgo que se ha cernido sobre la mal llamada generación de los noventa. Un heterogéneo grupo de poetas nacidos durante la década de los setenta y que por vez primera publica en la de los noventa del siglo pasado ha sido llamado por ese nombre, sin considerar las evidentes diferencias de temáticas, registros, utilización de recursos retóricos, además de las notorias distancias ideológicas o de comprensión de la gran ideología de mercado. Dicho malentendido, soportado por la laxa crítica, la inoperancia de las academias y los estudios literarios, así como por las promociones venideras, específicamente aquella llamada novísima, ha provocado que los lectores crean que tales producciones literarias fueron apoyadas por departamentos de literatura, padecían de un anacronismo cultista, se desentendían del contexto y la contingencia política, y acapararon el pequeño ámbito literario chileno.

La ficción construida alrededor de dichos poetas, quizás por una búsqueda desenfrenada de figurar o por ignorancia, ha marcado un distanciamiento de dichas escrituras, dibujando una caricatura del trabajo que poetas como Leonardo Sanhueza, Kurt Folch, Andrés Anwandter, Javier Bello y Germán Carrasco han sostenido en el tiempo. Hay otros casos, ciertamente discutibles (en términos de pertenencia a tal o cual grupo), como el de Antonio Silva, aunque el problema existe en tanto han sido perpetuadas algunas de estas creencias sin someterlas a críticas. El silenciamiento, la fumigación de escrituras débiles y la hiperdictadura de las cuales continuamente se habla en expendios de cerveza, junto a la satanización de la academia o los estudios universitarios de literatura, son contradictorios, considerando que la gran mayoría de los poetas que han publicado desde el dos mil en adelante son o fueron estudiantes universitarios, y en alguna medida, de literatura. Por otra parte, su ataque al aburguesamiento o directamente a la forma de vida burguesa, si bien es, ha sido y será objeto de la crítica, no puede ser entendida más que desde la misma vida burguesa. De algún modo todos somos modernamente burgueses. Al cabo, objetivamente, la anulación de un estado anterior de poesía es coherente a la idea de que el escritor joven debe superar a sus maestros (en una parodia a las revoluciones científicas de Kuhn). Y aunque esta relación tradicional o con la tradición, parezca maniquea, ha servido de estandarte para comprender la poesía de urgencia de los ochenta, la angustia de las influencias (tomando el término de Harold Bloom, en esa asfixia que genera producir literatura leyendo la “gran literatura”) de los noventa y la histeria teatral de los dos mil. Cada una de estas promociones reacciona contra la anterior, aunque no en todos los casos de modo destructivo o descalificativo, sino dialógico. En ese sentido, la poesía de Germán Carrasco y Andrés Anwadnter, política, preñada en algunos casos del encriptamiento propio (el uso de códigos para cuestionar la tiranía) de la dictadura, dialoga con la promoción anterior para cuestionar la transición y los vicios de esta nueva belle epoque en que se ha transformado la democracia. Así, frente a un contexto débilmente poblado por escritores en formación y los últimos estandartes de promociones anteriores, surge la novísima buscando la forma de contrarrestar las escrituras que ya estaban “situadas”, junto con desestabilizar el aparente estado de las cosas (el stablishment literario). Para esto, además de producir cuantioso y extenso material poético, revisó la última década resumiéndola en un emblema: un grupo de burgueses que adhería al proyecto país de la concertación. Dicha emblemática, interesante, por cierto, sería desarrollada también como un procedimiento de construcción de mundo, en el que ciertas imágenes infantiles, precarias y comunes, diseñarían desde la pobreza, la exclusión, la ignorancia y la discriminación, una imagen de país contraria y crítica a la anterior. Siendo ambas programadas por la novísima en su discurso y gestión cultural, su decurso fue sencillo, llegando estas imágenes (el niño sufriente y pobre, el homosexual vidente, la mujer extrañada en lo urbano, el andrógino, la loca y el joven que nomina desde el amor sin convenciones sociales) a desestructurar cierta ficción de centro o de hegemonía literaria. A pesar de esto, el éxito aparente escondía un vicio, pues la repetición de procedimientos probados, las fórmulas o formulismos de los que tanto se habla, acabaron por crear clones de dichos discursos, réplicas fallidas de producciones poéticas en ciernes, que derivaron en una saturación del angosto medio con poetas y poéticas homogéneas, chatas y superficiales con respecto a los problemas sociales a los cuales se hacía referencia. Entonces, la emblemática nacional, esa imagen que se ligaba con Pablo Neruda y Raúl Zurita, se reveló vacía en estas producciones al no existir un diálogo interno, ni menos externo con las otras promociones. La reconstrucción de un mito de la diferencia, un mito invertido (H.Hernández), la pérdida de la interioridad e intimidad en la ciudad (P.Ilabaca), la inocencia pervertida como medio de interpretación de la realidad (P.Paredes), el intento de subvertir un lenguaje que diera cuenta de la experiencia desde categorías estables-teóricas (F.Ruiz) y la retórica de un amor homosexual representando en la figura amada la nación (D.Ramírez), terminaron por hacernos pensar que la emblemática era la única manera de producir poesía, siendo que ellos mismos habían pregonado la diferencia. ¿Cuál es la causa del vaciamiento de esos discursos y la transformación de la resistencia en panfleto? La ausencia de crítica.

Existen muchas formas de ausencia. En el caso de la crítica, más que un par. Podría mencionarse la ausencia de crítica periodística, la difusa crítica académica, la negación a la crítica entre poetas o escritores, pero la más compleja es la situación de la crítica en la poesía misma, desde la metapoesía (poesía que habla de la poesía) o una autroreflexión. Así, olvidar el valor de la crítica al propio hacer, además, es negar la tradición crítica que instalara Baudelaire, por no pensar en Quevedo, Villon, Catulo o Anacreonte, quien planteaba ya hace siglos que quería la lira de Homero, pero sin sangre. Asimismo, negar la tradición y la autocrítica es ignorar la historia reciente de la poesía chilena, negar el trabajo de Enrique Lihn, soportado por los trabajos de Nicanor Parra, Pablo de Rokha y, por cierto, Eduardo Anguita, en su agudísima reflexión sobre el canon y la posibilidad de lo nuevo en poesía, sobre todo en Chile.

No existen muchos libros de tales características hoy en día. Multicancha de Germán Carrasco es uno de ellos. Otro podría ser Chilean Poetry de Rodrigo Arroyo, aunque exista más un narcisismo en él que una autoreflexividad. Alfabeto para nadie, Las edades del laberinto e Higiene podrían ser otros títulos a revisar. Ahora bien, la existencia de libros que exploren dichas materias tampoco es síntoma de un cambio o una mutación del estado de las cosas. Pensemos en las querellas que se generan en los blogs, las habladurías sobre la vida privada de tal o cual poeta, las cuentas impagas que aún sostienen algunos, la juventud rockera y guitarrista eléctrica y las largas noches encallados en los expendios de licor. Si no hay críticos, o bien, han sido devastados, ¿qué es lo que falta a los poetas? En primer lugar, asumir el riesgo de escribir en otros géneros y prestarle oídos a otras cadencias y sintaxis, distintas a los reputados textículos franceses leídos con cuarenta años de descontexto. Tanta deconstrucción, rizoma, territorialización, campo de poder, capital simbólico, ¿para qué? Para sostener la ridícula y romántica negación a prestarle oídos al otro. Esto, pues aunque siempre el poeta de turno regale su libro, pocos (por no decir nadie) son los que siquiera lo hojean en el baño. Misoneísmo, es decir, miedo a lo nuevo. Podría ser, pero pareciera más prudente considerar que quienes se dicen escritores no escriben tanto, o que quienes dicen ser poetas no leen tanta poesía. Intuyo que la cuestión se resuelve, más que por la inquina del sol sobre las cosas -pensando, claramente que el sol es ese joven que cree que su escritura abarcará la extensión del mundo-, por una negación a hacer el ridículo, mostrar los trapos sucios que no se lavaron en casa, o de modo más simple, revelar la gran ignorancia subyacente. No quiero decir con esto que la totalidad de poetas que portan carnet de ciudadanía chilena sean ignorantes, por el contrario, sé que adolezco de pobrezas en las materias del conocimiento mucho mayores al resto; digo, quizás, que sería adecuado que empezáramos a leer nuestra historia y nuestra poesía con mayor cuidado, sin ser este cuidado una tara para poder glosar tal historia a nuestro modo: poetizando, historizando, criticando, ensayando y conjeturando una escritura comunitaria, es decir, una escritura que haga justicia a nuestra pertenencia a un especial estado de lengua o literatura. Propongo que hagamos leña del árbol caído, como proponía Ezra Pound recordando a Whitman. Un pacto, sí, un pacto que nos impida creernos Ezra Pound cada vez que leemos la poesía del otro, que nos haga dudar de la pedagogía implícita en los talleres literarios, las escuelas o la paternidad de ciertas escrituras.

Como bien sabemos, esto no es ninguna novedad: desconfianza, sospecha. Aunque pretender que se abra un panorama crítico desde los propios productores parezca un contrasentido, el ejercicio de la pluralidad, al menos en los textos producidos y leídos en democracia, es una necesidad. Necesitamos leer la nebulosa de autores que algunos llaman canon o tradición, tanto como leer a quienes afanosamente buscan instalarse como escritores o escrituras. Siempre es de afanosa locura el proceder del escritor joven. En este sentido, aprovechar la gran y libre cantidad de energía juvenil, contraria a esa amarga y clasista energía de los escritores “en vías de consagración” (no todos, por cierto), logrará distanciar a la poesía del arribismo que reina en el arte, digamos, esa necesidad de lo innecesario, o todos los condimentos que rodean a la literatura: violentar la apacible comodidad del artista comprometiéndolo con otras esferas de lo social y cultural, lo transforma en un gásfiter, un maestro chasquilla de las precarias empresas culturales literarias. Particularizo, pues la dictadura militar en Chile no fue una interrupción de la democracia, por el contrario, el borramiento de un estadio cultural, así como el repliegue de la participación real de la empresa o los poderes económicos en la cultura, ha detonado una larga situación postdictatorial, en la que deben reconstruirse instancias de comunicación entre la producción y el consumo de arte y cultura. Quizás lo más chocante, incluso, es darse cuenta que la reducción del campo de batalla público y privado halla su representación en las formas validadas por la academia, la crítica y los mismos poetas: rankings de libros, escritores, estéticas y teorías. Decir que este libro es mejor que este otro es señal de valentía, de gran sapiencia en las ideas más revolucionarias de nuestro infinito siglo XX, sin pensar, por cierto, en que la pobreza con la que se define teóricamente y prácticamente el canon, sitúa todo juicio en una valoración competitiva, claramente ligada al mercado. Establecer genealogías, hoy por hoy, más que un modo de desnudar críticamente los andamiajes de sociedades, estados y culturas reglamentadas, se suma a la desmesurada cantidad de información con la que se bombardea a los sujetos, volviendo toda crítica un medio o mediación: una sociedad hipermediatizada por el abarrotamiento de basura cultural y material. Valga para este caso el ejemplo de Internet. Quizás a causa de dicho fenómeno u otro, el discurso de la cultura -al menos en Chile- diseña jerarquías casi sanguíneas, aristocráticas, tanto de textos, como de autores o críticos. Las familias latifundistas han pasado a expandir sus poderes al dinero, otorgándole a la extranjería o a los cruces familiares, en los contratos y los oficios (llámense linaje o descendencia) una preponderancia excesiva. Podría decirse, aun, que no han cambiado los dueños de los medios, ni quienes tienen garantizado un futuro esplendor mediante su difusión en los mismos. Por ende, los periódicos, las revistas y ciertos círculos de discusión literaria se ocupan levantando nuevos y falsas figuras de una contracultura que, necesariamente, deberá convertirse en un producto vendible. Bolaño es un ejemplo, Wacquez su antípoda. Los poderes económicos solapadamente instalan en los lectores una perspectiva romántica de la historia, como diría Carlyle, una historia de los grandes hombres, o bien, de los grandes textos literarios. Cabría agregar también, una fascinación por la excentricidad del autor.

Me pregunto si existen los “grandes textos” o si hay “grandes chilenos”, ¿hay situación más inútil que buscar a los mejores? Sí, definir qué debería ser lo literario en cierto tiempo. En ese sentido, la vaga crítica también se ha identificado tomando como un lobo la piel de ovejas mancilladas por la historia, para plantear que la literatura debe ser reactiva, oponerse a lo que podría ser una imagen conservadora. Así, la rápida fosilización de dichas formas ha ocasionado que los aparatos represivos anticipen e incluso financien la disidencia, con el claro objetivo de normalizar las últimas producciones con el democrático mote de “revolucionarios”. Es necesario sospechar de aquellas perspectivas homogéneas. Por lo mismo, radicalizar una diferencia en las producciones literarias, así como en las lecturas que se hace de ellas, partiendo por los entusiastas escritores jóvenes, creo, afianzará estrategias de desestabilización más humanas en una valoración de lo dificultoso que es hoy en día producir literatura en base al trabajo.

Trabajar, sí, tanto en los textos como en algún oficio es urgente para barrer con toda habladuría ociosa que rodea el hacer literario. Espero que Contrafuerte permita que los escritores hablen de los escritores y limen esas asperezas propias de sus egolatrías y torpes relaciones sociales. Dejamos, pues, abierto este espacio para tal ejercicio.